080814 《情色度假村》2014臺北藝術節＠城市舞台

圖片來源：兩廳院售票系統

本來借了市圖的書《情色度假村》，打算在看演出前先了解故事，不過借了書後因為事多、書多，放了一個月也沒翻開，再加上有讀者預約的情況下就只好拿去還了，想再度預約借閱已經要排候補2號了（結果，今天晚上看完戲，回家收到市圖通知已經可以取書借閱了，哈）。不過其實如果有去六月份的講座，與談人已經把故事的梗概介紹的相當清楚了。

旋轉舞台、錄相即時投影是這齣戲主要的呈現方式，透過演員的獨白、心理醫生與主角和男女主角間的對白，呈現當代社會疏離的人生觀、對愛或性的渴望、歐洲人到泰國買春、度假隱瞞/轉換身分等議題。

本來就是知道原著之赤裸的描寫性慾，真正觀賞演出時，在長久以來的文化氛圍和某種道德標準的作祟下，說實在的是有些尷尬（隔天看舞時聽到有觀眾抱怨，有的媽媽帶小孩來看，這劇情和台詞之讓人困擾），但我覺得是相當有趣的測試。呼應演後座談上，總監認為台灣的觀眾有慧根或是翻譯很到位，因為劇中所鋪的梗，都有即時聽到觀眾的笑聲和回應。這呈現出一種奇妙的矛盾，在一個假掰的中上階層社會中（台北尤其如此），某些議題不是觀眾能舒服接受的，但是這不正就是引入其他國家劇團演出的目的嗎？打破往常觀看世界的方式，多好。

就先不論這戲的內容是否老梗，我想說我看到的和當下想到的：錄相及情感。

錄相在這齣戲中有非常重要的角色，心理醫生訪談時、做愛的表情、SM酒吧的內景，以及我覺得最有趣的，以電視斷訊的黑白畫面呈現度假村發生爆炸的場景。演後據演員所說，錄相可以代表說謊、幻想和白日夢的情節，臉部表情放大投影很快抓住觀眾的注意力，即便演員是背對觀眾或是在靠近舞台深處的空間演出，都不妨礙觀眾理解劇情的發展。在看的時候就產生了疑問，所有的畫面基本上都是即時投影，只有一段在酒吧裡，拼貼式的畫面讓人無法清楚判斷圖像內容，後來想想是因為放大影像給人的衝擊很大，這齣戲只是直接援引韋勒貝克的赤裸語言，又不是毫無意義的下流，的確沒有必要清楚明白的呈現酒吧內部的景象，而且已經透過角色對話點出酒吧的特色，也沒必要再用影像說明一次。斷訊畫面有意思之處在於，下一段的開頭是主角昏迷數日後剛剛清醒，對於爆炸之後的記憶留有一些空白，斷訊是個很好的比喻，也因此無須直接呈現爆炸的慘況，甚至連設計爆炸聲響、火光畫面都不需要，就可以清楚的銜接劇情。

男女主角有一段對話問到，歐洲女人和亞洲女人的差別，大意是說歐洲女性自主意識抬頭，已少見全心全意為愛付出的人；以及男主角自陳遇到女主角是多麼幸福和幸運，掩飾矯情的話不用多說，可以直接感受彼此的情感和性慾，而不用擔心身材、身分等外在因素。言下之意頗有種當代社會已失去純粹直接的情感交流的感慨。

記得六月的座談會上（主持人：耿一偉，與談人是鴻鴻和沈清楷），忘了是誰說的，原著就是把所有男性想的但是不敢講的全都說出來，完完全全是從男性的角度來看待兩性關係、性愛與買春的行為，如果女性朋友看到覺得不舒服，看似是無法避免的。這齣劇也沒有要為誰辯護，就是把種種的男女關係毫無保留的呈現出來，刺激觀眾的接受度，迫使觀眾去反思自身或是周遭聽到的事務。

這也就會牽涉到一個問題，身為觀眾的「你」，看戲當下的帶有哪些身分，或許是因為自己即將進入契約化的兩性關係中，自幼接受不少女性主義思潮的影響之下，透過這齣戲去反思自己在關係中的互動模式和感受，蠻有啟發性。

男主角史蒂芬．夏夫（Steven Scharf）的戲份很重，從略有憂鬱症、自絕於外在世界的孤僻者，遇上超溫柔又美麗的女主角（卡蒂亞．賀伯斯真的超有魅力的），三個演員加影像設計師在臺上隨著不同場景變換角色，流動的身分和轉動的場景，原劇名為「平台」，著實就是真實人生的反應阿。

062114 《淡水小鎮》果陀劇團＠國家戲劇院

        上次看《淡水小鎮》是06年的事，依稀還記得那圓形舞台時鐘的意象，陶大偉的說書人娓娓道來的小鎮故事。年初看了台南人改編的《安平小鎮》，無意與之相比（《安平小鎮》對我來說聲音吵雜了些、舞台走位因著歌隊的位置而顯得雜亂了點），只想說說這次看的感想。

         事隔近八年，或許是自己的年紀增長，來到了即將轉換身分的時間點，對於劇中陳少威和艾茉莉要結婚，兩人的雙親及兩人自己的心理轉折，聽來特別能引發我的認同。的確，連結婚當天都是母親在張羅早餐、叮嚀穿著，隔一天就變成兩人獨立生活，從吃媽媽做的早餐變成自己早起做早餐給先生吃，那轉變對女生來說不可謂不大。但對比起最後，艾茉莉受不了回到人間重過生日的心理折磨，在一個沒有時間延續的空間，沒有衰老、沒有離別，回過頭去看人世間的感情糾葛，用一句「媽媽，他們不懂。」就可以豁達了嗎？對我來說這一段的安排還是跳太快了。

        看到最後會想，對，我們都知道汲汲營營的活著，很容易忘卻生命中最重要的事，就是把握當下的去感受、體會周遭每個人的情感，深切的反省什麼對自己的生命是最重要的事，如果可以做到，或許可以省下許多不必要的煩惱和不知所以的選擇所造成的困擾。但，處於心態混沌狀態下，又有多少人可以做到？

        回到戲本身，找來曹啟泰當說書人，他的詮釋真的有點過度，特別是冰店老闆的部份，這個劇本順順走完是可以留予餘韻的小品，或許是導演怕這樣一來有些單薄，刻意加上幾近鬧劇的成份，雖然看似成功引起笑聲，但對於劇場熟客來說，這樣的安排顯得刻意而譁眾取寵。而陳艾兩人在冰店的告白，也莫名的拖戲，的確在真實情境中，這樣年輕男女的對話絕對會留有許多安靜的時刻，但，在舞台上如果如實演繹，則會出現尷尬的空白。不是不能理解，只是稍嫌有些單薄。

        這次唯一的亮點或許是舞台後方的投影吧？雖然一進戲劇院發現中庭有許多展示的畫作，還不明究裡的想說這種異業結合的緣由是什麼。看到中場就知道，舞台上的背景投影就是外頭畫作的放大，淡水小鎮的風光，藉由一幅幅畫呈現出來，也未嘗不是一個好的嘗試，總比單調稍不小心就變得卡通化的巨大佈景來的更有說服力，這的確是八年前較難以做出的佈景效果。

        多數的演員都沒有變的兩個版本，我還是期待除了演員個人演技的成熟之外，導演和編劇可以多用點心，精益求精，讓這個能夠歷久不衰的經典故事，有更令人欣賞的呈現。

052214 《伊底帕斯》臺北海鷗劇團＠牯嶺街小劇場

圖片來源：臺北海鷗劇場臉書

        記得上次在實驗劇場第一次看臺北海鷗劇場的戲《她殺了他的孩子》，號稱一票雙戲一悲一喜，結果我被喜劇搞的很怒（因為太像XX之夜的程度），以至於《伊底帕斯》首演那次，因著成見沒購票，後來聽到很多網友說很棒時，有那麼些許扼腕。幸好，事隔不到一年，還有機會親自進劇場看！說真的，在521事件過後，再看拭父娶母的悲劇時，我突然很懷念，很希望可以像上次一樣，在看完一齣無力抵抗神意的悲劇後，能有一齣喜劇可以來調和沈痛的心。

         正式開演前，四位演員上場以類似賦格的形式念出近詩意的語言，部分文字是出現在投影幕上的，引言並提示這是齣悲劇。已然熟悉故事的梗概，得以把力氣集中在觀看演員的呈現和走位。第一次在牯嶺街坐在橫向的觀眾席，數條繩子從天垂下，既是分隔空間所用，也是部分戲份的道具，幾張椅子做簡易的道具，極簡的舞台考驗演員表演的張力。每位演員身穿無袖長裙，披上圍巾和外套後，變換角色。

        雖說開場由歌隊長（曹瑜飾）拿著擴音器大喊出來面對時，不禁皺了眉頭一下，這梗也太新近了些。幸好之後的演出回歸到故事主軸，愈發好看。最喜歡的一段是伊底帕斯（吳秉蓁飾）向王后由卡絲坦（陳敬萱飾）求愛那段，其中一個動作設計是伊底帕斯鑽進王后的裙子中，王的頭的位子正好是后的腹部，一種雙關，既是歡愛、又是懷孕，把王后身為妻子和母親的雙重身分透過一個畫面完整傳達！到最後伊底帕斯發現他無法脫離命運的掌控，犯下不可赦的罪行後，演員是真的流下眼淚，在小劇場如此貼近觀眾的距離，那種帶入情緒的呈現，極為撼動人心。

       每位演員在不同的角色轉換上頗為用心，就身形、聲調和衣物裝飾的區隔具有說服力。洪嘉敏飾演的克里昂、報信人和先王雷爾斯在外顯氣質方面有著微妙的差異，並不僅是靠斗篷外套的不同穿法呼弄過去。唯一讓我不甚滿意的應該是投影的字體吧，很像是已然氾濫的康熙字典體。

       我沒有很喜歡把一切的事件或命運歸於至高無上的神的想法，但是在神諭下生活的人們，一方面得到警示勿胡做非為，另一方面也是在艱困生活下的心靈寄託（底比斯有著高牆，因為外面有怪物和神）。古希臘悲劇看似剝奪了人的能動性，但話又說會來，現代強調人定勝天，長久來看又豈不只是妄語罷了。

051714 Memento Tour 何韻詩巡迴演唱會 2014 台北站@台大體育館1樓

有幸在517「國際反恐同日」這天去聽何韻詩演唱會！

雖然說我聽過的歌曲非常的少，演出也有將近一半是粵語歌，但完全不妨礙我欣賞並舉手揮舞參與這場演出。一個主唱可以在台上又是彈貝斯/吉他、吹木笛、演戲（聽到三首《梁祝下世傳奇》之後，居然是〈癡情司〉！！！）和勁歌熱舞，我不知道還有什麼人可以這麼誠懇又大方的帶給樂迷這麼多元的演出。安可還唱了蘇打綠的〈小情歌〉和陳綺貞的〈魚〉！

舞台和燈光的效果很不錯，讓樂手在台上露面（並牽著他們全體敬禮謝幕），舞者的扮像和服裝也挺有趣的。演出段落分明且各有特色，幾段講話中數次感謝到台灣來讓他有重新出發、找到自己的機會。願意這樣讓自己重新開始，在不同的演出過程中了解並接納自己，且願意分享並捍衛自己相信和實踐的價值的歌手，真是令人愛不釋手阿！！！

轉貼網友記錄的歌單：
1.鋼鐵是怎樣煉成的
2.天使藍
3.青山黛瑪

4.瘋子
5.迷你與我
6.千千萬萬個我
7.無名

8.不眠皇后
9.韻律泳
10.未來
11.可可

12.波西米亞
13.詩與胡說
14.出走太平洋
15.愛沒有不對

16.勞斯萊斯
17.嘆息橋
18.睡王子
19.化蝶
20.癡情司

21.光明會
22.你是八十年代
23.艷光四射

24.青蔥
25.眼淚教我的事
26.木紋

ENCORE
27.明目張膽
28.花花（只有一半不到XD）
29.小情歌（蘇打綠）
30.滿地可
31.魚（陳綺貞）
32.光榮之家

051614 《戀曲2010》風格涉＠實驗劇場

圖片來源：國家兩廳院

        要為時代下註腳是不容易的事，但也請給我一個一場演出需要摔爛五把吉他的理由。

        第一次看李銘宸的作品。演出正式開始前，77年次的導演本人坐在舞台中間偏右（就觀眾看向舞台而言）的鋼琴椅上，把節目單上他想要以「戀曲2010」為題做一部戲的理由親口說了一遍，並善意的提醒觀眾演出當中會有裸露、突然的大聲響。舞台的左右兩邊掛著許多衣服、配件和鞋子，想來演員會直接在舞台上換裝吧？！

        我認為「單一演員站在舞台中間重複一段簡單的動作三次」是片段中間的逗點。有些片段頗有意思、有些取巧、有些顯然就是文不對題了吧。開演不久，演員輪流到舞台中間拿著麥克風模仿著目前生活中常出現的各式各樣的聲音，的確，我們生活周遭就有許許多多有意思，一聽就會勾起認同和回憶的聲音，不管是廣播電台、小攤販或是鄰里廣播，不管你生活在哪裡，或多或少都不陌生。接著，一個接著一個擴音器/麥克風，舞台上播出孫燕姿的〈天黑黑〉和〈我懷念的〉，演員跟著唱。很喜歡這個視覺畫面，有點像是具象化的口耳相傳濃縮版。

        接著是張仰瑄教導大家如何報新聞，如何讓一件芝麻綠豆的事聽起來像是則新聞，之後一位男演員以播報新聞的技巧說了則網路上看到的笑話，上帝召見美國、中國和台灣的總統/總理說隔天就是世界末日的那則。這樣的教學和反省蠻有意思的，畢竟我們在生活當中已經看到幾乎可以媲美演員的主播，如何在主播台上帶入個人情緒的演說唱俱佳，讓觀眾忘了自己其實是要看新聞，而不是娛樂綜藝節目。

        之後的某一段著實讓我傻眼，導演在幕後拿麥克風，跟著監督台上的演員是否在講述故事時說出「你、我、他」三字就得脫去一件衣物，相撲coco和菲律賓人的故事聽來就是很臨時的即興演出，故事內容跟時事或是2010年的事並沒有太多的關聯，看起來就只是演員臨場反應和為脫而脫，給觀眾拖戲的效果。

        音樂在這場戲很重要，不管是蕭邦的〈夜曲〉還是其他的西洋或是中文流行樂，又或者只是演員的清唱和哼歌，每一段音樂出來，我都會想要知道這跟戲有什麼關係，特別是中間突然用大喇叭播出分貝超大聲的〈國旗歌〉時，不禁想到，這不是以前求學時代得立正站好、敬禮聽完的音樂嗎？怎麼現在聽到卻反而比較像是不熟悉的存在和指涉？

         聽到最令我驚艷的是一位女演員（應該是余佩真吧？），歌唱的聲音真好聽，一曲〈快樂天堂〉和之後聽似自行創作的三首歌，都好聽極了。而且模仿地方小混混的台語之流暢的，很精采！
     
        集體創作有趣和可怕的地方，端看導演拿捏的準確度。只能說近來看了些沒有清楚劇本，或是內容焦點不夠集中、台詞上有嘩眾取寵之嫌（話又得說回來，是想要取悅怎樣/哪些觀眾呢？），都讓我越來越不耐煩，想要搞笑不夠搞笑，想要訴諸情感引導（曾歆雁帶上眼罩，引導觀眾隨著她進入印象中的老家那段，可以感覺得到演員很投入，但是一旁的演員只是負責遞麥克風和清除障礙物，實在是讓人分神出戲的存在），但都因為發揮的力道和時間不夠，很難讓觀眾認同或是埋單。實驗劇場雖然是讓新銳演員和導演實驗的地方，但我誠心的希望，小劇場的戲可以再濃縮、嚴謹些，不是說丟出新點子不好，只是，也請端出消化過、通過自我檢視的想法。

        最後，也不知道是不是劇終的最後，因為已經播出演出結束的廣播，也有一半的觀眾已經離場），一位演員開始訴說起2005年5月16日他在做什麼，跳過2008、2012年細數每年的今天發生的事，接著導演問他2015年、2020年、甚至是演員六、七十歲的每年的今天，他覺得自己會在做什麼？這其實是一個很好的提問，留待每個觀眾細細去品味。

051014 《馬克白後傳》英國皇家莎士比亞劇團+蘇格蘭國家劇院＠高雄至德堂

圖片來源：兩廳院售票系統

        英國皇家莎士比亞劇團+蘇格蘭國家劇院的組合《馬克白後傳》驚彩好看，特地搭車南下，相當值得！

       看戲之前其實還是有點擔心，因為久沒聽英文了。不過，刻意要自己不要依賴字幕之後，可以聽懂百分之六十已經相當感動了。樂手和歌隊的現場演奏，讓演出增色不少。

       關於蘇格蘭皇后和英格蘭將軍之間的感情，我覺得此戲沒有交代的很清楚（是，我沒有為了看戲回頭先去看《馬克白》），不過，並不影響對於劇情走向的理解。將軍和蘇格蘭國王在國家治理上觀念的落差，其實帶來蠻多省思。

       兩方對於在蘇格蘭境內兩派勢力不斷競爭的情況有著不同的詮釋，國王認為他表現的越弱、越不具有威脅性，反而越能達到平衡。接受禮物、回禮，按照當地的習俗才是合宜的表現。但是將軍無法理解，他只認為國王過於沈溺在美色、美酒當中，無心好好經營一個國家，也不認同當地人的作法，這或許就是他雖然走了蘇格蘭境內一整圈，但卻無法真正去理解這個地區最高權力出現及運作的方式，用盡各種他能夠理解的方法卻都無效之後，他開始訴諸自認合理卻相當殘酷的行動。

       另一個將軍無法理解的是「和平」的實質呈現方式，他一心一意要剷除蘇格蘭兩派勢力中的皇后家族勢力，單純的認為只要讓兩家聯姻，或是有一方勢力被消滅，那樣的和平就是蘇格蘭需要的和平。但國王用和平如大海來比喻，表面上平靜，實則波濤洶湧不斷，動態平衡的秩序，四季循環流動，才是他所理解的和平。很顯然的和平並不是光憑人的意志可以掌控和全然理解，而且秩序和和平並不是相等的概念，將軍無法接受蘇格蘭表面用語的保留和多義性，只希望能夠得到明確清楚的說法，但是自以為的定義清楚並不表示有採取殘酷手段的正當性，且一味用著自己認定的「和平」概念套用在不同文化身上，硬要逼他者用著自己能夠理解的方式說話、解決問題，其實只是徒增更多困擾罷了。

       就如同演前導聆的老師說的，這部戲雖然是以蘇格蘭和英格蘭為背景，但是內容其實離我們沒那麼遠。看著看著會悲觀的想到，我們現在覺得的和平和「現況」某種程度來說也是一種海面上的平靜而已，對照以前某師說過的話，遷台的第一代人士，鮮少享受過太長的平靜生活，沒有看過「年老」，沒有人生遲暮的參照對象，讓人在面對自己的年老會格外驚慌。

       我們認為的和平和維持和平的方式是什麼？有多少容許內部處理而沒有外在干擾的空間？這不僅只是如介紹上寫說，劇作家藉此劇批評中東局勢，我想同樣可以適用於被外力強勢介入的任何族群和國家的情況，或許就是因為如此，才能夠獲得全球劇評及觀眾的好評吧。

      天下分久必合、合久必分，四季轉換由不得人。

041714 雲門2《春鬥》＠新舞台

（還是忍不住拿出手機拍了，很有罪惡感哪）

晚上看了春鬥首演場，開演前舞團行政朋友看到我還特別說：「你看首演場喔？」我還傻傻回說：「對阿，明晚有台南人了。」演出結束謝幕完畢，居然衝入數位攝影記者，鄭宗龍說邀請過去曾在新舞台演出的重要人士上台...廖瓊枝、平珩、梁志明、林佳鋒、李寶春、古名伸和（變成最小咖的）陳武康、林懷民，講了一輪新舞台的合作經驗和讚美、為不捨熄燈請命，我倒蠻欣賞林懷民說的：「如果沒有場地我們就上街頭，劇場本來就是從街頭開始，到時候我們一定更潑辣。」

講完一輪之後換辜懷群上台，說了李國修和林懷民的小故事後，提到林懷民刻意邀請陶身體、安排春鬥演出，延遲新舞台熄燈的時間，希望因此爭取到轉圜的空間，還特意在首演場加映記者會，也真是煞費苦心。

說到這次的舞，越來越喜歡鄭宗龍的概念和演繹方式，杜連魁加上廟會音樂，身體的運用也與以往多了更多戲劇性的呈現，王爾德小說的有聲書口白也變成了配樂，某些動作呼應了劇情走向，也挺有趣的。

黃翊號稱融入電影和劇場的元素在新編的「浮動的房間」中，坦白說只有一開始不到10分鐘是重新搬演原有的概念，之後就神開展了（誤）。不是不能裸露、不能暴力、不能夜店風，但是一旦將寫實的元素融入，卻又無法清楚交代發生的脈絡，只能說很突兀和沒頭沒尾，在我看來這樣的詮釋除了最後的螢火蟲之外，一點也沒有如他在開演前所介紹的「甜」阿。我反而還比較喜歡2010年版，不過用技巧製造出來的「小朋友」算是亮點，舞者在動作和穿脫衣服之間之流暢的，一定練過很久吧 XDD

布拉瑞揚宣告不再為春鬥編舞，之後要回部落尋根。這次跟桑布依和陳主慧大提琴搭配的舞，有些動作可以看到「找路」的肢體，有無以名狀的焦慮和掙扎。不過舞台設計蠻美的，中間一大塊泥土，一根Y型樹枝立起來（從我這邊看過去彷彿桑布依後有一條抬起的腿，頗詭異），舞者在舞作中後期拿泥土起來丟灑，塗在自己身上，亟欲親近土/土地的瘋狂和感傷，還蠻震撼的。

春鬥至今每位編舞者的作品，斷斷續續大多看了至少5年，可以看到編舞家的變化，和舞作發展/呈現之間的關係，雖然還是有怎麼編舞家就這幾個，但是說真的，年輕編舞家要能好好發展出一個比較長且完整的作品，真的需要有這樣的環境和空間可以發揮，有一群願意讓年輕人成長的長輩支持著，這過程無法速成，但是漸漸會看到令人感到有趣、驚豔的成果。